“时尚终将消逝，唯有风格永存。”----可可·香奈儿

时尚从文化、历史和艺术中汲取灵感，发挥着至关重要的作用，它既是一种教育工具，也是灵感的源泉。追随时尚潮流往往会拥有共同兴趣的集体组织出现，并共同朝着同一方向前进。

主要的奢侈品牌花费了数年时间来打造自己的形象和DNA。有时，他们出于营销或文化原因会聘请传统圈子之外的创意总监，来吸引具有不同文化背景的新受众群体。

这种方法一开始似乎看起来很有吸引力，因为它引入了新的想法和新的视角。它允许品牌重塑自我，并随着时间的推移保持相关性。然而，这种做法也存在风险。

当聘请外部创意总监时，他们可能会带来与品牌既定身份不同的愿景，可能会淡化品牌的本质和真实性。如果忠实的粉丝和顾客所珍视的价值观和审美观发生显着改变，他们可能会感到疏远或失望。

此外，聘请外部创意总监可以被视为纯粹的商业策略，旨在吸引新客户并增加收入。这可能会招致批评，并被视为利用文化或参与文化挪用，特别是如果该品牌大量借鉴特定文化而不尊重其起源和深层含义。

从奢侈品牌传统叙事之外的角度来看，任命创意总监的想法似乎很有前途，但要谨慎对待这种做法。在创新与维护品牌形象和历史之间取得平衡，以及表现出文化敏感性以避免任何形式的剥削或文化挪用，这一点至关重要。

时尚是一种社交活动。

让我们一起探索在维吉尔·阿布洛（Virgil Abloh）领导下的路易威登（Louis Vuitton）的演变。

这位才华横溢的人成功地完成了他的使命，吸引了以音乐、体育和非裔美国人为主的观众。这创造了一个新的消费群体，通过路易威登品牌展示其群体归属。然而，这种趋势可能更注重外观和财富的展示，而不是对品牌文化和意义的真正理解。

对于奢侈品牌来说，在不断发展的同时保留其DNA和文化遗产至关重要。追求短期财务策略有时会导致品牌真实性的丧失和品牌形象的淡化。

我还参考了Pharrell Williams的例子，他没有考虑专业意见，展示了使用濒临灭绝动物的皮毛进行的设计。这引发了人们对灵感如何转化为文化以及时装设计中尊重自然和环境的重要性的合理担忧。

时尚确实是文化、教育、经济和政治的渠道。它深刻地影响着我们的社会，并在塑造我们的个人和集体身份方面发挥着重要作用。因此，时装公司必须意识到自己的责任并遵守道德规范，确保在适应当代世界变化的同时保护自己的传统。

然而，同样重要的是要承认，人们对时尚及其影响的看法可能会有所不同。有些人可能将这些变化视为多元化和复兴的机会，而另一些人可能担心保持真实性和文化意义。

在时尚讨论中认识到这种观点的多样性并促进开放和尊重的对话是至关重要的。

文化部通过资助有助于法国时尚发展的组织和项目，支持时尚领域的创造、研究和创新。

时尚主要是外观问题：

一种态度

事实上，服装自史前时代就已出现，并经历了数个世纪的演变，但让我们记住这一点：最早采用服装规范的是凡尔赛宫。路易十四和让-巴蒂斯特·科尔伯特决定让法国成为世界领先的服装和产品制造商。奢侈品行业受王室管辖。

这导致了像玫瑰贝尔廷（Rose Bertin）这样的著名工艺工匠的出现。巴黎高级时装将成为这一现象的继承者。就在法国大革命之前，插图时尚年鉴开始向各省和整个欧洲的读者传播巴黎时尚。

这标志着时尚新闻的诞生，时尚新闻是服装自由化的重要载体。

法国王室的奢侈作风导致纳税人背负巨额债务。这些过度的开支也导致了玛丽·安托瓦内特的声誉受损，甚至成为引发法国大革命的冤屈之一。在她去世很久之后，玛丽·安托瓦内特仍然是一个重要的文化象征，象征着魅力和财富。

法国大革命期间，“无裙裤”赋予了服装政治意义。布鲁梅尔第二年（1793年10月29日）颁布的第八条法律宣布，人们可以按照自己的意愿自由着装，这预示着服装民主化。

在第二帝国，是英国人，特别是查尔斯·弗雷德里克·沃思，他在巴黎率先使用真人模特。这标志着高级时装的诞生。

直到20世纪，人们要么自己制作衣服，要么定制衣服。第一次世界大战期间，设计师将女性身体从紧身胸衣中解放出来。

20 世纪初，珍妮·帕奎因 (Jeanne Paquin) 发明了时装秀。

当时，巴黎大约有二十家时装屋。保罗·波烈是第一个“解放女性身体”的人。

这些年，时尚界出现了一种新趋势：时装设计师和视觉艺术家之间的合作。例如，艾尔莎·夏帕瑞丽（Elsa Schiaparelli）与画家萨尔瓦多·达利合作。他们的友谊催生了融合艺术风格和生动想象力的非凡系列。1937年著名的“龙虾连衣裙”就是体现这种融合的著名作品。

萨尔瓦多·达利和埃尔莎·夏帕瑞丽

为了扩大影响力，时尚界成功地与摄影和电影结成了联盟。 1930 年，可可·香奈儿 (Coco Chanel) 与塞缪尔·戈德温 (Samuel Goldwyn) 达成协议，为曼联 (United Artists) 的明星们设计服装。

塞缪尔·戈德温和可可·香奈儿，1931 年

巴黎被视为全球时尚之都，遍布巴黎全城的众多时尚精品店证明了这一点。世界拥抱法国时尚及其文化。如今，各国之间、奢侈时装品牌之间的文化交流正在不断进行，并取得了辉煌的成果。

为什么？

“文化”一词在这两种情况下都至关重要。

如果当今各大奢侈品牌所采用的“文化”体系是基于历史、敏感性、尊重等，那么自然的联系就形成了。相反，如果这种方法纯粹是为了营销（为其提供真实的解释），那么它就会被“二手”社区拒绝。

意大利时尚的历史可以追溯到中世纪，当时出现了第一批织染工坊。那个时期，最珍贵的面料是从东方进口的，意大利的作坊专门生产精致、高品质的纺织品。“意大利制造”品牌源于这种工匠传统和意大利工艺，帮助意大利时尚在国际舞台上脱颖而出。几个世纪以来，意大利设计师从文艺复兴和地中海文化中汲取灵感，不断创新和开发新风格。

第二次世界大战后，罗马时尚界的成功始于19世纪70年代的一个卓越进程的结果。自1871年罗马成为意大利首都以来，社会经济动荡震撼了这座城市。王室、政府机关、大使馆、商人和小企业家的到来颠覆了由古老而强大的贵族家庭主导的等级制度，为不那么保守的贵族铺平了道路，更重要的是，为城市资产阶级创造了新的文化价值观、生活方式和消费模式。这个新的社会阶层对高级时装和配饰产生了特定的需求，吸引了最熟练的工匠。他们来自意大利其他城市，在首都建立了自己的工作室或开设了分公司。

第一个创造独立于巴黎标准时尚的“女装设计师”并不是严格意义上的女装设计师，而是一位艺术家：Maria Monaci Gallenga（1880-1944），她将服装设计视为造型艺术和绘画的完美结合。1915年，她在旧金山的Terza secessione Romana展览和巴拿马太平洋国际博览会上展示了她的第一个作品，并获得了大奖。从那时起直到1935 年，玛丽亚·加伦加 (Maria Gallenga) 的设计在欧洲和美国取得了广泛的成功，并于1925 年在巴黎国际现代装饰和工业艺术展览会上获得了由国际评审团颁发的大奖，并达到了顶峰。在她的努力下，罗马首次开始“输出”意大利女性时尚创作。1928 年，加伦加夫人在佛罗伦萨开设分店后，又在巴黎米罗梅尼尔街 (Rue Miromesnil) 建立了自己的工作室，一直营业到1934年。她的成功鼓励了20世纪二三十年代的其他设计师在当时的文化和政治氛围的刺激下离开巴黎。

第二次世界大战后，罗马时尚在国际上取得了成功。巴黎高级时装的危机以及对其潜力的更多认识导致罗马时装设计师彻底脱离巴黎。美国市场对这一成功做出了重大贡献。事实上，随着冲突的结束，罗马成为了一个国际旅游目的地，特别是对于富有的美国女性来说，她们开始发现并欣赏其时装公司的创造力，从而形成了她们的大部分客户。

SIMONETTA

西蒙内塔 (Simonetta) 是维斯康蒂·迪·塞萨罗 (Visconti di Cesarò) 家族的贵族，他于1946年开设了一家工作室，是第一位吸引美国市场注意力的罗马时装设计师。她的服装设计现代且实用，适合大规模生产，与大西洋彼岸百货公司的服装系列保持一致。因此，她的许多设计被美国商店Bergdorf Goodman和马歇尔菲尔德（Marshall Field's）购买并复制。

1949年1月27日，美国明星蒂龙·鲍尔 (Tyrone Power) 与女演员琳达·克里斯蒂安 (Linda Christian) 在罗马举行婚礼，这件事让罗马高级时装成为众人瞩目的焦点。这对夫妇的照片刊登在欧洲和世界主要报纸的头版上。美国杂志展示了由Sorelle Fontana品牌设计的新娘奢华礼服，以及由 Domenico Caraceni设计的新郎晨礼服。那一天，全世界见证了罗马时装设计师的才华，更重要的是，罗马时尚巩固了其与好莱坞电影的关系。

事实上，正是在20世纪50年代初，Cinecittà（成立于1937年）规模庞大、设备齐全的电影制片厂开始接待美国导演和演员，拍摄由美国主要电影制片厂（主要是米高梅电影公司）制作的电影，为罗马赢得了“台伯河上的好莱坞”的绰号。

当演员们正在探索Caraceni和Brioni套装的完美剪裁时，女演员们却成为了罗马时装公司的常客。Fernanda Gattioni为英格丽·褒曼和拉娜·特纳等明星以及美国大使克拉拉·布斯·卢斯和伊娃·佩隆设计服装。

索菲娅·罗兰为埃米利奥·舒伯特演绎

埃米利奥·舒伯特 (Emilio Schubert) 为波斯皇后索拉雅 (Soraya) 和众多女演员设计服装，其中包括意大利明星索菲亚·罗兰 (Sofia Loren)。

埃丝特·威廉姆斯（Esther Williams）光顾了年轻的罗伯特·卡普奇（Roberto Capucci）的工作室，后者以其具有雕塑感和抽象感为特色的“a scatola”系列赢得了波士顿百货公司Filene's颁发的1958年时尚奥斯卡奖。第二年，该奖项颁给了艾琳·加利辛 (Irene Galitzine)，她是著名的宫廷睡衣的创造者——现代风格与高级时装的完美融合，深受杰奎琳·肯尼迪 (Jaqueline Kennedy) 的喜爱。

索雷尔·丰塔纳（Sorelle Fontana）工作室是奥黛丽·赫本、莉兹·泰勒和杰奎琳·肯尼迪等明星和第一夫人经常光顾的地方，但艾娃·加德纳特别喜欢他们的设计，她主演的大多数电影都选择索雷尔作为服装设计师。

20世纪50年代初，意大利时装在国际舞台上正式亮相，这要归功于乔瓦尼·巴蒂斯塔·乔吉尼 (Giovanni Battista Giorgini) 侯爵在佛罗伦萨皮蒂宫举办的时装秀。这一关键时刻不是机构努力的结果，而是个人活力的结果。乔吉尼利用了他丰富的商业经验以及在管理美国主要百货公司的采购时建立的庞大的联系和关系网络。他是第一个认识到意大利高级时装的创新和有吸引力的元素并将其推广到战后主要国际市场——美国市场的人。

在佛罗伦萨到托斯卡纳，有一种充满活力的手工织物，这是中世纪的制造和贸易传统的遗产。这座城市以其作为意大利文艺复兴时期艺术和文化的见证，成为国际旅游业的主要吸引力。几十年来，佛罗伦萨成为意大利时尚的标杆，这得益于当地时尚企业和品牌的成功和国际声誉，如Salvatore Ferragamo（成立于1927年）、Guccio Gucci（成立于1921 年）和Emilio Pucci。1947 年，萨尔瓦多·菲拉格慕 (Salvatore Ferragamo) 获得了尼曼·马库斯奖 (Neiman Marcus Award)，该奖类似于时装奥斯卡奖，由美国最大的百货公司之一颁发给时装设计师和专业人士。

1951年2月12日，Giorgini组织的第一场意大利集体时装秀的日子，不仅被认为是意大利时装的正式诞生日，也是“意大利制造”标签的开始，标志着意大利创意和工艺的卓越得到国际认可。继巴黎之后，这场时装秀在他位于托里吉亚尼别墅（Villa Torrigiani）住所的沙龙中举行。在六位美国顶级买手的见证下，十三家意大利时装公司展示了他们的设计：九家来自罗马和米兰的高级时装工坊以及四家精品时装公司。

Emilio Pucci

其中包括当地唯一的时装设计师普奇 (Pucci)。美国客人热情高涨，五位意大利记者的出席确保了此次活动的高知名度。1951年7月，在第二届颁奖典礼上，意大利时装公司从13家增加到15家，模特从180人增加到700人。此外，买家数量从6家激增至300多家。为了容纳他们，演出被转移到了新地点，即大酒店。

乔治尼（Giorgini）把赌注押在了第一场时装秀的一个关键特征上：意大利时尚创作与过去艺术和手工艺传统的传承之间的密切联系，只有佛罗伦萨市才能提供理想的背景。因此，在1952年7月的第四届展会上，活动迁至皮蒂宫的萨拉比安卡（Sala Bianca），完成了乔治尼（Giorgini）的愿景，将佛罗伦萨打造为意大利时尚之都，并完美展示了时尚、艺术与传统之间的新联盟。乔吉尼的舞台表演是成功的关键，他独特的T台设置与法国高级时装相比，针织品、精品时装和配饰是真正的新奇事物。

然而，高级时装也曾有过辉煌，其衰落不仅是一种市场现象，也是一种社会现象。一种新的时尚范式出现了，不再是精英主义和贵族化的，不再是社会上层决定和塑造时尚规范。相反，它变成了文化和社会地位较低的阶层的责任。乔吉尼敏锐地意识到了这一点，无论是在时装屋的参与度，还是买手和媒体的参与度方面，他比任何人都更能见证这些活动的光彩逐渐减弱。

乔瓦尼·巴蒂斯塔

尽管面临这些挑战，他始终以创新为旗帜，继续组织时装秀，没有失败，推出了第一批成衣模特（1956年）、青少年服装（1962年）和女性内衣（1964年）。他促成了意大利新时尚品牌的首次亮相，例如高级时装领域的Lancetti (1961年)和Valentino (1962年)，以及“精品”类别的Krizia和Mila Schön。然而，到了1965年，面对持续的困难和叛逃，乔吉尼决定辞职，放弃对赛事的控制和组织。他的退休标志着皮蒂宫，特别是佛罗伦萨在国际舞台上的衰落。

国内高级时装界一些最著名的人物的退出以及对精品时装的日益关注逐渐侵蚀了佛罗伦萨时装秀的威望和形象，使其沦为仅仅是“游乐场的节日”。尽管皮蒂宫的活动规模不断扩大，但从1972年开始，第一届“Pitti Uomo”开始致力于男士服装和配饰，随后是1975年的“Pitti Bimbo”、1977 年的“Pitti Filati”和最后1978年推出的休闲运动装“Pitti Casual”，以及20世纪70年代的“Pitti Casa”，佛罗伦萨转变为展览中心。1982年Sala Bianca的关闭以及1984年“Pitti Donna”活动的最终结束，米兰不可挽回地成为成衣和意大利风格的新中心。

米兰崛起为国际成衣之都的地位始于20世纪70年代中期。当时，由一群年轻设计师推动，他们决定放弃佛罗伦萨时装秀，在米兰展示自己的系列。国际媒体很快就报道了这一活动，而且刚好适逢意大利时尚诞生二十五周年。

通过选择米兰，设计师们逃离了佛罗伦萨，那里已经成为扼杀创造力和商业的限制性的象征。远离皮蒂宫，他们可以更明智地选择买家，自由地展示超过佛罗伦萨集体时装秀上二十款款式限制的更多系列，并选择最能突出其个人系列的舞台。

到了1981年，就在开始尝试性的举办几年后，意大利领先的财经报纸首次发表了一篇文章，专门介绍“吸引全球主要买家对米兰精致时装秀的关注”，承认这座城市在引领意大利时尚界复兴的作用。将伦巴第首都推向国际时尚舞台最前沿的设计师们，在与大型工业企业合作的过程中接受了培训，并学会成为有创造力的企业家和管理者。

Dolce & Gabbana：意大利优雅的象征

杜嘉班纳（Dolce & Gabbana）由Domenico Dolce和Stefano Gabbana于1985年创立，是意大利主要时尚品牌之一。

多梅尼科·杜尔塞和斯特凡

杜嘉班纳 (Dolce & Gabbana) 以其迷人而大胆的风格而闻名，吸引了世界各地的名人和时尚爱好者。该品牌的第一个系列于1986年米兰时装周期间推出，以其原创性而闻名。Dolce & Gabbana的设计从意大利文化中汲取灵感，颂扬花朵、水果和动物等传统图案。Dolce & Gabbana也是最早使用社交媒体宣传其系列的时尚品牌之一。通过创新的社交媒体活动，该品牌已经覆盖了更广泛的受众并建立了忠实的客户群。如今，杜嘉班纳 (Dolce & Gabbana) 业务遍及全球，提供从高级时装和皮革制品到配饰和香水等多种产品。

经典的“英式时尚”或“英伦风格”自十九世纪以来一直存在。设计师威廉·莫里斯（William Morris）是工艺美术运动之父，他开创了一种独特的“英伦风”，至今仍是经典英式时尚的代表。

威廉·莫里斯

维多利亚时代以肯特公爵的女儿亚历山德里娜·维多利亚的崛起为标志，这标志着一个比她叔叔更现代、更符合社会愿望的君主制的出现。在她统治期间，英国取得了许多进步，特别是在工业、科学和技术方面，但在乔治四世和威廉四世统治下，大英帝国作为全球强国的逐渐衰落，维多利亚女王统治后也面临着许多挑战。维多利亚女王的喜好和生活与这一重要时期有关，在历史上留下了持久的印记。

在维多利亚女王统治期间，从1837年登基到1901年1月下旬去世，英国在各个领域都经历了变革，包括在此期间曾是英国保护国或殖民地的国家，形成了英联邦。帝国疆域辽阔，维多利亚女王作为印度皇后，她的王位统治着海洋。

许多人将维多利亚时期与浪漫、优雅和一个反映20世纪文化巨变之前的纯真的时代联系在一起。

维多利亚女王

这个时代的时尚深受维多利亚女王本人的影响。女王陛下在其统治期间被誉为时尚偶像，她的个人风格经常受到伦敦女性的效仿。这引领了潮流，在她统治初期，潮流最初变得更加轻松、更加丰富多彩，在她的哀悼期间变得更加朴素和哥特式。

女性穿着长款合身连衣裙，里面穿衬裙，营造出丰盈的效果。她们喜欢优雅的连衣裙、紧身胸衣和靴子。纽扣靴、套穿靴和系带靴是这个时期的特色靴子。

在19世纪40年代和19世纪50年代，女装的特点是肩膀狭窄、下垂、腰部收紧成倒三角形，以及钟形的裙子。内衣包括紧身胸衣、长至脚踝的裙子和几层荷叶边衬裙。到1850年左右，衬裙的数量随着衬布的流行而减少，裙子的尺寸也随之扩大。日间礼服有朴素的衣身，而晚礼服则是低胸的，肩膀裸露。这些服装通常配有披肩和延伸至肘部上方的手套。

19世纪60年代，裙子正面变平，背面变圆。白天的服装通常包括宝塔袖和饰有轻薄蕾丝的高领。晚礼服领口处有深切短袖，佩戴短手套或钩编连指手套。从19世纪70年代开始，室内服装变得不再那么结构化，在非正式场合不再使用紧身胸衣，裙撑也取代了衬裙。

到了19世纪末，服装款式变得更加简单：裙撑和衬裙不再流行，连衣裙也不再那么紧身。紧身胸衣仍然存在，但被拉长，使女性呈现出轻微的S形轮廓。裙子呈喇叭形状，紧贴臀部，腰部收紧，膝盖上方向外展开。与此同时，专为运动设计的服装系列开始流行，适合骑自行车、网球和游泳等活动。

那个时代的男士通常穿着三件套西装，搭配长夹克和合身的裤子。卓尔不群的花花公子装束，比如礼服、高顶礼帽或圆顶礼帽等服装非常受欢迎。配饰也很重要，领结、手套和围巾为每套服装增添了一丝精致感。

1807年，工厂大规模生产服装并在商店以固定价格销售的速度开始加速。家庭缝纫仍然很常见，但开始衰落。新机器改变了衣服的制作方式。

19世纪中叶缝纫机的引入，实现了锁缝线迹，简化了家庭和商店的服装制作。这种机械进步使得各种复杂装饰的应用变得更加容易，而这些装饰对于手工制作来说是具有挑战性的。花边制造机大大降低了花边的成本，使其更受欢迎。

来自大英帝国遥远土地的新材料之一是橡胶，用于制造橡胶靴和雨衣。化学家开发出了比天然染料更亮、更耐用的合成染料。

在维多利亚时代的最初几十年里，由环形底层结构支撑的宽大裙子是女性服装的核心元素。帽子的设计是为了在不分散注意力的情况下与轮廓相得益彰，在尺寸和外观上都保持低调。这种“隐形”帽子在摄政后期佩戴，其圆形帽檐与裙子的钟形形状相呼应，最终加长到遮住佩戴者脸部的程度。

到了 1870 年，随着轮廓变得更苗条，帽子也缩小了，并向前放在额头上。发型变得更加复杂，卷曲的假发增加了自然头发的体积。

到了这一时期的末期，时尚的轮廓类似于直立的三角形，宽边帽子开始流行。这些帽子上装饰着大量的丝绸花朵、丝带和异国情调的羽毛，其中最令人垂涎的羽毛来自佛罗里达州大沼泽地几乎灭绝的鸟类。

蒸汽朋克——维多利亚时代的奇幻版本

以铁路等先进技术为标志的维多利亚时代是蒸汽朋克运动青睐的时期。以蒸汽机、齿轮和各种机械装置为中心主题……现代发明和技术被重新想象，这就是蒸汽朋克的精髓。

英国的工匠经常受到追捧，制作胸针、戒指和项链，通常被委托作为礼物，反映了其高超的工艺水平。另一方面，一些珠宝也是工厂制造的，在经验丰富的珠宝商的监督下使用基本技术，由无产阶级作为生产的劳动力。

维多利亚时代的珠宝通常非常华丽，拥有大量宝石和复杂的镶嵌。哀悼珠宝在维多利亚时期也很流行，包括浮雕首饰和由人或动物毛发制成的珠宝。不太富裕的维多利亚时代使用玻璃和珍珠母等更便宜的材料，但这些作品仍然优雅且具有装饰性。

维多利亚时期的珠宝风格颇具特色，特点是使用黑玉、钻石和珊瑚。它往往厚重而华丽，给人一种富有和奢华的印象。虽然维多利亚风格在现代人看来似乎有点过时，但它仍然非常受欢迎，许多公司还提供受维多利亚时期正品启发的复制珠宝。

维多利亚时尚以19世纪在位的维多利亚女王命名，以其长裙、精致的蕾丝和高领紧身胸衣而闻名。虽然打造维多利亚风格的服装可能看起来很费力，但结果确实值得。添加一些机械元素或将其与高顶礼帽等配饰搭配可以给人留下深刻的印象。

维多利亚时代的系带靴子特别受女性欢迎，其独特的风格至今仍受到人们的赞赏。正宗的复制品通常采用与原版维多利亚系带靴相同的材料制成，并且可以从各种来源获得。出于成本考虑或个人喜好，有些人可能更喜欢合成材料制成的靴子而不是皮革制成的靴子。

维多利亚时代的女靴有两种主要款式。

它们有低切和高切两种款式，颜色多样，如绿色、红色和白色，但黑色和棕色仍然是最常见的选择。鞋带通常从鞋的前部延伸到靴子的顶部，鞋跟的高度通常在2到3英寸之间，呈沙漏形状。维多利亚时期女式系带靴最显着的特点是脚趾非常尖且窄，这可能需要购买比平时大一号的尺码，以确保脚趾不会过度压缩。

这种趋势将把我们介绍给伟大的设计师，比如薇薇安·韦斯特伍德（Vivienne Westwood）和约翰·加利亚诺（John Galliano）。

伦敦、米兰和巴黎的主要时装周都展示了他们的创造力，反映了他们丰富的历史和旅程。每个城市都有从时尚历史和个人故事中汲取灵感的设计师——这是一种真诚的做法，但今天仍然如此吗？这是不确定的。

我们必须警惕，吸引力不仅仅是一种营销策略。如果是这样，相关品牌或时装公司可能无法长期持续下去。

时尚应该激发梦想，继续成为一种社会现象。

我们不要忘记，时尚才是最有魅力的大使！