19世纪三四十年，“达盖尔法摄影术”和“卡罗法摄影术”相继问世，拉开了人类“影像时代”的大幕

世界性的摄影美学思想——“画意摄影”在19世纪50年代出现。

尚在启蒙阶段的摄影，这期间的主流思想就是“画意摄影”，即主张向同为平面艺术的绘画摄影学习，来获得社会对其艺术属性的承认。

“画意摄影”在第一次世界大战前后逐渐退出历史舞台。

从20世纪20年代前后到50年代初，摄影进入了“本体”探索期，展开了基于摄影两大基本特性——“原真的拷贝（记录性）”、“时间的切割（时间性）”之上的美学探究。

亚当斯是风光摄影领域的一座丰碑,其“区域曝光法”依然是现代曝光技术的核心所在。

对“记录性”的研究，诞生了美国“直接摄影”美学，在德国则出现了“新客观主义”思想；对“时间性”的研究，出现了布列松的“决定性瞬间”理论。

这两种摄影思想构成了摄影本体美学体系的主干，确立了摄影的基础审美——“精细审美”与“瞬间审美”。

20世纪50年代后期，罗伯特·弗兰克、威廉·克莱因的摄影的“个人化”，内容的“日常化”，影像的“粗糙多义化”思想，深刻影响了此后的摄影走向。

20世纪六七十年代被称为摄影的“新时代”。此时居于世界艺术核心地位的美国出现了“新风景”、“新纪实”、“新彩色”、“新地形学”、“私摄影”等一系列新思想和新实践。

1966年——当代摄影师：向着社会的风景

共有5位摄影师参展，其中最负盛名的是 维诺格兰德，其作品以街头摄影的方式来展现“社会风景”的内核。照片中往往都是我们日常可见的画面，拍摄者并不打算批判或者改变社会，只是记录现实中令人感到充满意味的视觉瞬间。

1967年——“新纪实”摄影联展

在这次展览中，以 阿勃丝 为代表的年轻摄影师，一改以往扫街抓拍的纪实手法，而是重新使用布景、摆拍的手段来制作照片。他们不再追求真实，而是强调拍摄者自己的态度；图片不是为了改变观众，而是让人们理解生活。

彩色摄影/人类对于彩色相机的研究一直没有停止，早在1909年就已经拍出了第一幅彩色照片，但是受制于工艺和成本，直到二战后期，彩色摄影才得到大规模运用。并且由于长期摄影师拍摄黑白作品的习惯，相当长一段时间里，彩色摄影只是作为黑白照片的补充和附庸，其本身属性并没有得到重视。直到1976年，被尊称为“彩色摄影之父”的 埃格斯顿作品在纽约现代艺术博物馆展出，才开始“新彩色”时代。

私摄影/这一类摄影，说的通俗一点，就是带有高级感的自拍。1971年，克拉克的个人摄影集《塔尔萨》问世，这种自传体摄影方式引起了不小的轰动，并且开辟了一个新的领域。相比于街拍记录陌生人的瞬间，克拉克 尝试以自己和亲密朋友为拍摄对象，通过私人影像来构建自身所处阶层和时代的一个剖面：年轻人的堕落生活场景被大众直视，挑战观众的心理。至于后来这种主题到了中国变成了奇怪的画风，这又是另一个故事了。

20世纪70年代以后，摄影进入当代摄影时期。一方面，摄影与其他艺术形式嫁接融合，衍生出各种各样的“艺术混合体”；另一方面作为“摄影”继续探索自身的艺术疆界与艺术可能性。

本篇文章里，从摄影技术诞生之初开始，回顾了启蒙时代模仿绘画的“画意摄影”、探索摄影“本体”的时期和二战之后开始百花齐放的“摄影新时代”。如今，数码技术的出现及后期修图手法的介入改变了摄影的技术基础，回顾历史，继往开来，新时期的摄影随时代的发展必然会有新世纪，新时代的特征和使命。